sábado, 27 de mayo de 2017

Cuidando la llama - Entrevista con 'El Gnomo' Martín Reznik

 
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Programa N° 602. Antes de una nueva presentación en formato trío con La Filarmónica Cósmica, nos visitó El Gnomo Martín Reznik. Entre mates y facturas charlamos del arte de hacer canciones / cómo hacer para hablar del presente sin caer en lo obvio / la composición / la búsqueda y los intentos / la identidad.

"Estoy en un proceso interno en el que siento que quiero decir un montón de cosas y todavía no le encuentro la vuelta -nos dijo. Música hay, pero tengo necesidad de cambiar un poco en relación a la lírica. Todavía no sé a dónde va a ir". Y siguió: "Uno no está preparado para bajar la data, sé que hay algo que va a aparecer y me voy preparando para que eso suceda".

"A mí no me sale mucho intentar si no estoy inspirado. No me sale nada. Soy de sentarme a trabajar cuando viene la inspiración. Con la música es distinto, creo que tengo el canal más abierto"

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Para descargar la entrevista clickeá ACÁ.

viernes, 26 de mayo de 2017

Arte y verdad V y VI


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Dejamos los capítulos V y VI del ciclo de charlas filosóficas que lleva adelante Oscar Cuervo dentro de nuestro programa. 

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Capítulo V lo pueden escuchar ACÁ

Capítulo VI ACÁ

viernes, 19 de mayo de 2017

"Todos tenemos una pequeña máquina autómata generadora de texto". Entrevista con Julián Galay antes de montar 'La estructura inerte' en la BP.17


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Programa N° 601. Julián Galay es un artista que trabaja con los vínculos. Lo conocimos como músico integrante del Ensamble Chancho a cuerda, pero su universo artístico se fue expandiendo más y más gracias a que él mismo fue saltando fronteras hasta liberar su deseo de abarcar otros espacios, otras disciplinas y otras artes. Hace un año ya nos había dicho: "Todo lo que tiene que ver con el arte me interesa" [ver acá]. Hoy habla como si la división entre arte y no arte no existiese, como si no pudiese concebir el mundo más que como un lugar cuyo único interés radica en que todo es factible de ser utilizado como material artístico. En ese trabajo, los vínculos son parte fundamental del proceso y de la obra que acaba de estrenar. "Lo performático en mi obra trata de eso: de los vínculos, de los mecanismos de trabajo y de los métodos de producción", nos dijo.

La cosa es que en el marco de la II Bienal de Performance inauguró (hoy viernes) La estructura inerte, su segunda obra multidisciplinaria. Se puede volver a ver sábado 20 y domingo 21 de 15:00 a 19:00 hs en el espacio cheLA, Iguazú 451 (estación Parque Patricios de la línea H).

Copiamos una parte de la gacetilla: Este nuevo trabajo, creado especialmente para la sala Colectivo Hipermediático de cheLA y BP.17, presenta en el centro de un galpón una enorme isla de diecisiete metros de largo con cuarenta y cinco kilos de tierra. Parlantes resuenan y dialogan con el espacio vacío produciendo un coro de murmullos; suena una colección de sueños de los artistas participantes de BP.17. La isla está cubierta por un bosque de árboles secos en miniatura. Entre ellos se ven algunos edificios abandonados, todavía encendidos. Sobre este micro mundo, a noventa centímetros de altura, nueve vitrinas a escala real contienen naturaleza detenida. El objetivo es apropiarse del mecanismo de los sueños ajenos, usarlos como pequeñas máquinas autómatas generadoras de texto. A lo largo de los primeros siete días Julián Galay, sin ayudantes y con su propio cuerpo, construye la instalación. Lo íntimo, lo privado y lo ajeno, las colecciones y las obsesiones personales inventariadas y catalogadas se concentran en una misma habitación.

Recapitulamos: un galpón,
una isla de tierra cubierta por un bosque en miniatura de árboles secos, naturaleza detenida y parlantes distribuídos meticulosamente de donde salen veinticuatro narraciones distintas de veinticuatro artistas participantes de la bienal a los que Julián les pidió que graben un sueño. Se pueden escuchar, superpuestas unas con otras, las voces de Albertina Carri, Amalia Tercelan, Ana Gallardo, Andrés Belfanti, Christian Falsnaes, Dudu Quintanilha, Emilio García Wehbi, Gastón Pérsico, Liliana Porter, Lola Arias, Luciana Acuña, Magy Ganiko, Manuela Sol Anquino, Marcelo Delgado, Marcos Perearnau, Marina Otero, Ismael Verde, Nazareno Pereyra, Santiago Sierra y Victoria Boulay.

Algunos de esos sueños los compartimos al aire. Julián los fue eligiendo en vivo según lo dictaba el momento. La experiencia fue sorpresiva. En la obra no se va a saber quién dice qué, por lo tanto respetamos el anonimato de los soñadores. Escuchamos un relato en danés donde se aprecia lo hermoso y extraño de un idioma y una articulación diferente, a un argentino que sueña con su abuelo de la infancia, a una directora que dice estar contando el sueño más erótico que tuvo en su vida y otra reconocida dramaturga que se despertó de madrugada y al instante agarró el celular para grabar lo que acababa de soñar. Con ese nivel de compromiso se tomaron la tarea quienes participaron. 

Nos contó que él tenía una "pequeña teoría" y es que algunos artistas cuya obra conoce bien, cuando sueñan lo hacen como si estuviesen dando forma a una obra. "Es increíble, uno no puede saber ya si la obra influye al sueño o viceversa. No importa, pero es increíble cómo son muy representativos de la obra que hace cada uno".

"Lo performático en mi obra trata de eso: de los vínculos, de los mecanismos de trabajo y de los métodos de producción. La obra en sí podría ser una instalación. En la obra final no hay algo performático más alla de que se trabaja con los sueños de los artistas y a mí me interesaba la idea de llevar una performance sonora, llevar algo muy íntimo y comprometido de artistas, y que no estuviera el cuerpo (cuando justamente la idea de la performance es que estuviera el cuerpo)"

Sabedor de que meterse con los sueños es meterse con la intimidad ("incluso de una manera conmovedora", nos dijo), hizo un trabajo previo con sus amigos antes de encarar el pedido a los artistas que forman parte de la Bienal. Una vez que vió y escuchó que funcionaba, empezó el trabajo de convencimiento. "El sueño no podía estar leído, sino que lo tenían que recordar mientras lo contaban. Incluso cuando uno dice: '¿Estoy inventando lo que me acuerdo?'. En muchos de los sueños se da una respiración que uno no tiene cuando habla. A mi me interesa ese momento donde el sueño es eso, es lo que uno está recreando. Ese momento donde la memoria con el consciente van intentando reconstruir algo que quizás ni siquiera es tan lineal. Uno a veces tiene un sueño que dura diez minutos, pero lo sueña en dos segundos, ¿no? Es mucho más complejo el funcionamiento del sueño, entonces al recrearlo siempre de alguna manera uno lo va a estar creando".

Galay aclara que no le interesa interpretarlos: "Me interesa más que todos tenemos una pequeña máquina autómata generadora de texto. Es increíble la cantidad de texto, imagenes, colores, sensaciones, estructuras, obritas que generamos sin parar. Hablaba con un amigo de mi viejo que me decía: ´Qué desperdicio´. Él anotaba sus sueños y me los leía y le parecían alucinantes. Hablábamos de eso, qué desperdicio todas estas mentes diferentes generando y generando. La idea era apropiarse un poco de eso".

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La conversación completa la pueden descargar ACÁ.

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La charla merece escucharse entera. Un dato que pasó desapercibido y dimensionamos una vez que volvimos a la entrevista es este párrafo respecto de su trabajo para La estructura inerte donde remarca la importancia de los vínculos con la que empezamos el post: "Son trabajos donde disfruto mucho trabajar en colaboración. Yo sé que hay muchas cosas que no sé, entonces también es un disfrute trabajar con gente especialista en otras ramas con la que puedo dialogar y construir. Incluso en esta obra donde supuestamente trabajo solo (esa era la idea inicial), naturalmente, por cómo llevo la amistad y los vínculos, se fue dando que se generó un equipo de trabajo. Por eso me parece interesante lo de la Bienal de Performance, porque casi que lo performático en mi obra trata de eso: de los vínculos, de los mecanismos de trabajo y de los métodos de producción. La obra en sí podría ser una instalación. En la obra final no hay algo performático más alla de que se trabaja con los sueños de los artistas y a mí me interesaba la idea de llevar una performance sonora, llevar algo muy íntimo y comprometido de artistas, y que no estuviera el cuerpo (cuando justamente la idea de la performance es que estuviera el cuerpo). Había ahí una chicana desde lo sonoro".

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La expansión más allá de la música. "Pienso que es algo que yo tenía latente desde chiquito. Por ahí hubo algo personal o familiar que lo disparó, pero es algo que estuvo latente desde siempre, incluso en mis juegos. Estudiaba pintura, dibujo, teatro, literatura, iba al Instituto Vocacional de Arte, que es público, donde se hacen todas las disciplinas. Había un interés y sentía bastante conflicto cuando tenía que especializarme y estar ocho años estudiando bajo eléctrico. Por suerte lo hice, porque me dió una herramienta con la que ahora yo puedo dialogar con Chancho a Cuerda, pero llegó un momento en que llegué a un piso que ya me servía y empecé a liberar unas ganas muy grandes de abarcar otros espacios".

sábado, 13 de mayo de 2017

Arte y verdad III y IV


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Dejamos los capítulos III y IV del ciclo de charlas filosóficas que lleva adelante Oscar Cuervo dentro de nuestro programa. Ya nos metimos de lleno con El origen de la obra de arte, una conferencia que Heidegger brinda en 1935.

Este párrafo es fundamental para poder seguir adelante:

"Todo el mundo conoce obras de arte. En las plazas públicas, en las iglesias y en las casas pueden verse obras arquitectónicas, esculturas y pinturas. En las colecciones y exposiciones se exhiben obras de arte de las épocas y pueblos más diversos. Si contemplamos las obras desde el punto de vista de su pura realidad, sin aferrarnos a ideas preconcebidas, comprobaremos que las obras se presentan de manera tan natural como el resto de las cosas. El cuadro cuelga de la pared como un arma de caza o un sombrero. Una pintura, por ejemplo esa tela de Van Gogh que muestra un par de botas de campesino, peregrina de exposición en exposición. Se transportan las obras igual que el carbón del Ruhr y los troncos de la Selva Negra. Durante la campaña los soldados empaquetaban en sus mochilas los himnos de Hölderlin al lado de los utensilios de limpieza. Los cuartetos de Beethoven yacen amontonados en los almacenes de las editoriales igual que las patatas en los sótanos de las casas".
 
El primer disparador que propone es que una obra es una cosa. Pero, ¿es solo una cosa?, ¿en qué medida una obra es algo distinto de una cosa?, ¿qué es una cosa, entonces?, ¿y qué es una obra?

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Capítulo III ACÁ.

Capítulo IV ACÁ.

viernes, 12 de mayo de 2017

"La música y el arte tienen que lograr resignificar todo constantemente" - Entrevista con Pels

Se presentan mañana en una fecha compartida con El Estrellero. La cita es a las 22.00 hs en Rosetti 722. Abajo la charla con Tingo donde hablamos un ratito de la fecha y mucho de música.


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Programa N° 600. Nos visitó la familia Zucal: Tingo, su hija Lola y su compañera Mica. Tingo es el compositor de Pels y este sábado -mañana- van a tocar en una fecha conjunta con El Estrellero [hablamos con Juan Irio acá]. 

Que haya venido con la familia le dió un tinte íntimo. Nos regalaron un charla muy cálida y canciones a dúo con Lola, que tiene 16 años y canta, además de tocar clarinete, violín y guitarra. Presten el oído porque todo lo que cantaron formará parte del próximo disco de Pels cuyo título no sabemos pero que -aseguramos- trae muy buenas caniones. 

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La charla la pueden descargar ACÁ. Abajo dejamos algunos fragmentos desgrabados, pero escuchen completo porque hay mucho ahí dentro.

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- ¿Sos lector?

- Me siento Frank Zappa a veces, a él le parecía aburrido leer. Yo estoy en la etapa menos lectora de mi vida. Tengo un nivel de acelere y ocupación muy grande y cuando hay espacio libres desayuno y toco la guitarra. Sino, estoy laburando o estoy haciendo música. Generalmente la mayor parte del tiempo es grabar y eso en mi caso lleva muchas horas porque grabo instrumento, grabo la voz y estoy muy pendiente de lo otro que se graba. Estoy en el momento menos lector de mi vida.

- ¿Qué es lo que más ocupa tu pensamiento vinculado a la música?

- Lograr hacer una buena síntesis con las letras. Muchas veces me quedo con la sensación de que podría haber escrito una frase mejor, tratando de buscar una temática que deje algo de rulo, alguna contradicción, que no sea un simple relato de mis aconteceres, que tenga un chiste. Eso me tiene todo el día, vivo escribiendo en papelitos o donde sea. Tenemos una carpeta llena de papelitos donde escribí más de doscientas canciones. En este momento en que me siento más maduro y reflexivo estoy preocupado por darla con la letra. En otro momento no, yo era más musical que lírico, buscada el arreglo. El disco que estamos grabando es un valle en lo que es la composición musical, los temas son más sencillos, no grabé guitarra eléctrica, grabé todo acústicas. Estamos apuntando para ese lado.

- ¿Encontrás en el día a día estímulos como para tener algo sobre qué escribir? ¿Te pasa estar frente a una canción y no tener de qué hablar?

- Si, me pasa mucho, pero no me trabo ahí. Me trabo más en cómo continuarla. Si hacemos un análisis de mis canciones, probablemente las primeras estrofas son mejores que lo que sigue [risas]. Más que nada eso, hacer algo redondito, lindo. A cualquiera que escribe lo persigue.

"En general Gospels tiene mucho de catarsis psicológica mía, hay un montón de historia mía y de situaciones que las puse a como dé lugar. Hay veces que las palabras no entran y... entraron"

- Igual la frase: "Todos estamos hechos de todo / y como de todos algo mío tiene dios" llega después de una largo recorrido en la canción.

- Si, exactamente. Esa letra es muy profunda por lo que sucedió en mi vida, por lo que me llevó a escribir esa canción. En general Gospels tiene mucho de catarsis psicológica mía, hay un montón de historia mía y de situaciones que las puse a como dé lugar. Hay veces que las palabras no entran y... entraron.

Con Lola hicieron una canción nueva que se llama Luna negra. Tiene una estructura sencilla -como ya nos había adelantado Tingo respecto del próximo disco-, aunque viniendo de Pels siempre es de esperar que lo sencillo no esté exento de rulos. Tingo canta: "Yo sé muy bien / no hay tiempo para desaparecer". Es una sensación amarga la que ataca al cuerpo y al oído cuando aparece una palabra como desparecer. Es como si estuviera prohibido nombrarla fuera del contexto y la carga política y de horror de la que se cargó en los últimos 40 años despúes de haber salido de la boca del dictador genocida Videla. Él la nombra y le preguntamos por eso.

- ¿Se piensa en esas cosas?

- En Gospels, en la canción Tren de la juventud, escribí: "Yo prefiero morir acá / sin entierro y sin ataúd". A mí me contradijo tanto que por momentos dije: "¿Qué estoy escribiendo?". Lo que pasa que fue un proceso en nuestra historia que tiñó todo y se adueñó de algunas palabras tristemente. A su vez pienso que la música y el arte tienen que lograr resignificar todo constantemente, con lo cual eso me hace seguir adelante. Pero son cosas que me pegan todo el tiempo.

"Muchas veces descarto armonías, melodías o palabras pensando que con Pels estamos en un lugar donde ya hay un determinado tipo de mirada y de etiqueta, y que esas cosas que compongo no pegan. Un poco me odio por eso. Me parece que debería ser al revés, todo el tiempo tratar de desetiquetarse"

- ¿Existen lo prejuicios musicales a la hora de componer?

- Si, yo creo que sí. Prejuicios propios. Muchas veces descarto armonías, melodías o palabras pensando que con Pels estamos en un lugar donde ya hay un determinado tipo de mirada y de etiqueta, y que esas cosas que compongo no pegan. Un poco me odio por eso. Me parece que debería ser al revés, todo el tiempo tratar de desetiquetarse. Por eso los discos tienden a virar y a querer hacer recorridos diferentes. Nunca escapan de la composición de uno, ¿viste?.

- Eso forma parte del estilo.

- Claro. Yo me siento incómodo en las etiquetas y tiene que ver con eso, con estar todo el tiempo abriendo puertas y saliéndose de lugares encasillados.

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jueves, 11 de mayo de 2017

Entrevista a Juan Irío de El Estrellero


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Programa N° 598. Hablamos largo y tendido con Juan Irio, el compositor platense que al frente de The Siniestros editó cuatro disco y un simple. Cuenta la historia (ya conocida) que dos semanas antes de meterse en los estudios ION para registrar su quinto disco algo sucedió: "El caos venció a la creación y nos dejó con miles de palabras maravillosas en la boca. Por eso, no habrá un quinto disco de los Siniestros (que era la gloria, créannos!)", escribieron en su blog a modo de despedida. 

Gran parte de ese material fue a parar al deslumbrante El ideal de lo común que Irío editó como solista y que resultó estar entre los discos más interesante del 2014. Para ese momento ya había conocido a Lautaro Barceló y estaba en marcha El Estrellero, la banda que ambos comparten junto a Gregorio Jáuregui en batería, Alejo Klimavicius en guitarra y voz, Juan Baro Latrubesse en teclados.

Drama es el primer disco que editaron y Pobre corazón la canción que funciona como la piedra fundacional de la banda y que mejor representa el potencial del que disponen, pues es la única compuesta entre los dos.

La novedad es que ya tienen un disco a punto de terminar que estarán editando en los próximos meses. "Tiene mucha cita a la coyuntura", nos dijo Irío. "Por ese lado se puede encontrar mucho significado. Es un disco muy belicoso, tiene algo que yo no había trabajado antes que es la opresión, el dominio de un ente a un ser humano; un disco muy monárquico, muy imperial, eso se va a ver cuando salga la tapa. Es el disco que más relación tiene con el clima de época de todos los que hice", adelantó. 

La conversación se realizó un rato antes de la presentación que hicieron en Ladran Sancho. El sábado 13 de mayo El Estrellero compartirá fecha con Pels. A no perdérsela.

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- Hubo un momento en que vos te subís al auto, prendés la radio y ¿qué paso?

- La historia es muy loca porque no es que yo digo: "Esto es mío". Yo prendí la radio y sonaba una canción. Nadie cantaba, era sólo la música. Habrán sido cinco segundos, pero esos cinco segundos donde decís: "Esto lo conozco". Por un momento se me pasó: "¿Será una canción mía que la conozco tanto?". Despúes no, claramente no era una canción mía, a los seis segundos ya no lo era, pero fueron segundos donde yo dudé si era mío lo que estaba sonando, porque iba escuchando FM Universidad que es una radio que suele pasar mucha música local de La Plata. Y cuando descubrí que era de Lautaro le escribí un mail y le dije que me había gustado lo que hacía, y le dije que ojalá algún día hagamos algo juntos. Él había ido a ver a The Siniestros y le había gustado mucho, entonces es como que estaba latente la idea de juntarnos sin que los dos lo supiéramos que iba a ser así.

"Es muy intertextual mi forma de ver los discos. Necesito que un disco sea autorreferencial, que una canción no sea solamente una canción sino que esté metida dentro del gran relato que es un disco"

Las letras. "Siempre pensé las letras como parte del sonido de la canción. No tanto la elección de las palabras, sino la sonoridad de las palabras es lo que me atrae. Al momento de escribir uno busca que sea lindo lo que está leyendo también, porque la palabra canelón puede sonar bien pero por ahí en la canción queda espantosa".

Rima. "Rima pertenecía a lo que iba a ser el próximo disco de The Siniestros. Estábamos a un mes de grabarlo y la banda se separó. Teníamos quince canciones para elegir, estaba Rima, La Fórmula, Fiesta de lobos, Peste de mi disco solista, Los ídolos, El pinar... Cuando se separa la banda agarro algunos para el solista y otros los dejo para El estrellero más adelante. Pero tenía que armar un imaginario de disco y sabiendo que venía por ese lado use Rima y La derrota. Es muy intertextual mi forma de ver los discos. Necesito que un disco sea autorreferencial, que una canción no sea solamente una canción sino que esté metida dentro del gran relato que es un disco, saber que pertenece a un concepto cerrado que podés tomarlo solo escuchando una canción, pero me gusta que se repitan palabras, que puedas encontrar sentido entre dos canciones. No están tan alejadas. El ideal de lo común y Drama para mi es casi una linealidad".

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Para descargar la charla ACÁ.

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miércoles, 10 de mayo de 2017

"Hay noches que duran años; noches que son las noches de la historia de un país" - Entrevista con Nadia Szchaniuk


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Programa N° 600. Hablamos con Nadia Szchaniuk, cantante y compositora salteña que vive en Buenos Aires desde ¡2001! y que acaba de editar Luna atrás, su segundo disco en formato trío junto a Bruno Moguilevsky en piano, rodhes y sintetizadores; y Alejandro Starosielsky en guitarras.

Nadia suele decir que el tránsito hacia este disco comenzó hace muchísimo tiempo cuando se encontró con una nana española. A partir de ahí empezó a parar la oreja cada vez que se cruzaba con una canción de cuna y fue haciendo, serenamente, un trabajo de recopliación. Es una búsqueda que no está excenta de malentendidos; el disco (lo vamos a decir por si hace falta) no es un compilado de canciones de cuna. Basta escucharlo y descubrirlo (es decir, correr el velo) para notar que hay mucho más que eso. Hay noche, sobre todo noche, y todo lo que esa palabra trae. 

"Este no es un disco de canciones de cuna a pesar de que arranca con las canciones de cuna (...) En el juego de meterme con esas canciones y ver qué había, me fui quedando con las canciones que hablaban sobre cosas que van mucho más allá de la temática de dormir un niño. Me interesaban mucho más las confesiones, las angustias, los relatos sobre la soledad y sobre la ausencia, las noches que pueden no ser solo el período donde no está el sol, sino que hay noches que duran años; hay noches que son las noches de la historia de un país también", nos explicó Nadia.

Inmersos en esas canciones, uno advierte un diálogo involuntario con La Madrugada, el disco de Luciana Jury también dedicado a la noche.

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La voz de Nadia es una voz educada. Se formó en coros y eso le abrió el camino hacia la música académica, el canto lírico o la música barroca. Pero eso se complementa con las guitarreadas que se hacían en su casa. Es decir que su técnica impecable está en diálogo permanente con lo que viene de la música popular y eso en su música se nota.

Presenta el disco el próximo jueves a las 21.00 hs en Hasta Trilce / Maza 177.


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Para descargar el programa clickeá ACÁ


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Lo anónimo. "Por un lado lo anónimo tiene el valor del peso del tiempo. Leda Valladares dice que lo anónimo es lo que fue macerado por el pueblo. Y tiene el valor y el peso de lo que está mucho tiempo en remojo (...) En ese amor por lo anónimo soy una defensora también de lo que está nombrado, defiendo los autores porque todo lo que se nombra comienza a existir. Es el valor de lo anónimo pero no de lo que desaparece, sino al contrario: el valor de lo que está teñido por el peso de muchas personas, de una cultura, de una identidad y a la vez del individuo".

La identidad. "Uno está hecho de algo y hay que dejarlo aflorar, pero también uno va haciéndose. Entonces, uno tiene la posibilidad de hacer música que tal vez no estaba o que no sabía que iba a llegar a ese lugar. Por eso yo hago hincapié en que uno tiene que escuchar mucha música".

La tradición. "Yo soy una amante del folclore, de lo antiguo, pero me gusta una frase que dice: 'la tradición no es la veneración de las cenizas, sino la transmisión del fuego´. Pasar la antorcha, ¿no? (...) No podemos sostener una identidad si no miramos también para atrás".

El desafío de hacer Confesión del viento. "Me imaginé la escena del viento confesándose de noche. Al principio es un recitativo, casi lo que pasaba en el barroco cuando alguien contaba lo que iba a pasar. Es un poema que está musicalizado a favor del poema. A Bruno yo le dije: 'No toques la armonía, tocá un cluster con la métrica en que yo declamo'. Yo decidí una manera de declamación y él fue acomodando".

Develar. "Cuando tenemos la suerte de conectar con el material yo siento que develamos lo más importante que trae la canción y en ese develar la canción develamos algo propio".

jueves, 4 de mayo de 2017

"El remate es muy importante en los poemas de Vicente" - Entrevista a Hernán antes de la celebración VICENTE POR SUS AMIGOS


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Programa N° 599. Con decir que nos visitó Hernán alcanza. Él es un poeta que dejó a un costado su apellido para que su solo nombre remita a su poesía. De su largo recorrido hemos hablado acá y acá, por ejemplo. Este 2017 editó Luces blancas que vienen, puntos rojos que se van

Hernán es también un entusiasta difusor de la obra de sus amigos poetas y músicos. Vicente Luy no fue la excepción. Con él se conocieron días antes de la primera presentacion de Los verbonautas a mediados de los 90s y construyeron una amistad que perduró hasta el día en que Vicente decidió poner fin a su vida. 

Que Vicente era un gran poeta no es novedad. En la actualidad encontrar sus libros, a pesar de la existencia de las redes, está cada vez más dificil. Eso, sumado a la incertidumbre de no saber si sus herederos querrán o no reeditar su obra, llevó a Hernán y sus amigos a realizar este sábado 6 de mayo en la Usina del Arte la celebración VICENTE POR SUS AMIGOS (así como lo leen: en mayúsculas) donde el trío Vigna - Moller - Remec, Pipo Lernoud, Flopa Lestani, Florencia Ruiz, Javier Cardenal Domínguez, Gigio González y Ariel Minimal estarán leyendo la poesía del cordobés. 

"Varias veces hicimos esto con Vicente. Es hacer lo mismo, pero todos leyendo poemas de Vicente, incluso los músicos", nos dijo. "Hay muchos más lectores que libros disponibles, entonces, a nosotros se nos ocurrió filmar y después subir a you tube lo que vamos a hacer el sábado, para que los poemas de Vicente sigan rodando".

Como en cada charla Hernán nos regaló una lectura de sus propios poemas y de algunos de Vicente Luy. No solo eso, también trajo unos audios con las promos que Vicente puso en circulación en Córdoba cuando editó su segundo (y monumental) libro La vida en Córdoba. Lo que escuchamos fue uno de sus poemas más difundidos que se llama Venderle al alma al diablo leído por Luis Medina Allende, un político cordobés radical que vendió dos veces la cárcel de mujeres de Córdoba. Vicente pensó que él era la persona indicada para encarnar la lectura de esos versos. Y pensaba también que no lo iba a tomar a mal. Y más: que lo haría con mucho gusto, cosa que fue así. Medina Allende le había vendido el alma al diablo, por lo tanto qué problema podría tener en ponerle voz al poema. 

Abajo dejamos el programa para escuchar y descargar + la desgrabación de fragmentos de la charla.

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Para escuchar la conversa completa clickeá acá.

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- ¿Cómo lo recordás a Vicente? ¿Lo recordas con tristeza, con melancolía, con alegría? ¿Lo recordás mucho, lo tenés presente?

- Sí, lo tengo bastante presente. Últimamente lo recuerdo con más alegría. Con el tiempo uno se empieza acordar de los primeros tiempos, de las primeras visitas, de cuando éramos jóvenes [se sonríe].

- Él era más grande que vos.

- Sí, tenía diez años más que yo, creo. Nos conocimos acá en Buenos Aires unos días antes de la primera lectura de Verbonutas, un miércoles.

- ¿Pegaron buena onda?

- Pegamos buena onda porque todos los demás se conocían y nosotros conocíamos a algunos. Palo [Pandolfo] y Osvaldo [Vigna] se conocían; Pablo, que era el manager de Los Visitantes también había llevado a Gabriel Coullery, 'El Gavilán', y era amigo de todos; Karina era la mujer de Palo (...) Vicente era la primera vez que veía a todos y yo era la primera o segunda vez que veía a algunos. Creo que por eso pegamos onda.

- ¿Y me decís que cada vez más recordás eso y empieza a prevalecer un recuerdo más alegre?

- Si. Me acuerdo de las jornadas de laburo, de levantarse temprano allá en la casa de Vicente en el chalet en Villa Los Altos, en Salsipuedes. Incluso hemos visto nieve alguna vez. Recuerdo prender el hogar, sentarnos a trabajar y tipo 10 de la mañana no queríamos más porque nos habíamos levantado muy temprano.

- ¿Trabajaban en tus poemas y en los de él?

- Básicamente en La vida en Córdoba, año 98. Estuvimos dos años más o menos desde que él me dijo: "Vamos a armar el libro", hasta que salió. Dos años o más. No había internet, así que estaba tipeado en máquina de escribir. Era un gran libro pesado, un sobre que iba y volvía de Córdoba a Buenos Aires. Yo le mandaba las pruebas impresas y él me mandaba las correcciones y yo le volvía a mandar todo por correo. Y a veces me iba en avión algún fin de semana largo.

- Y eso fue un aprendizaje para los dos, ¿no?

- Tal cual.

- ¿Se iban haciendo juntos?

- Si, nos íbamos corrigiendo. Vicente era la persona con la que yo corregía mi libro y mi laburo, aparte de diseñarlo. Vicente decía: "Bueno, ¿qué te parece?, ¿qué tenés para decirme?. ¿No me decís nada? Veo que no te gustó el poema". Entonces... si, si, era una cuestión de tratar de obtener lo mejor.

- ¿Y hoy con quién mantenés ese diálogo?

- Nooo, con nadie. Ya hace varios libros que lo mantengo conmigo mismo, ya no tengo más con quién corregir los libros.

- ¿O sea que no se los mostrás a nadie para que te de una devolución?

- Si, a Analía [su pareja].

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El remate. "Vicente era muy puntilloso con el tema de la escritura y de la oralidad, con cómo se lee. [Su puntillosidad] tenía que ver con la diferencia entre la coma y el punto y coma, cómo se leía, el énfasis, el remate... El remate es muy importante en los poemas de Vicente".

"Él decía que su poesía tenía fecha de vencimiento porque hacía alusión al ahora y había poemas donde aparecía Anzorregui o jugadores de fútbol que no juegan más, o tenistas que se retiraron y las generaciones se recambian. Lo que me parece curioso es que la gente de veintipico de años sigue ligando con Vicente igual que hace diez años o igual que hace veinte años"

- ¿Cómo describirías la poesía de Vicente?

- Creo que es una poesía pop la de Vicente. También es política y deportiva. Él decía que tenía fecha de vencimiento porque hacía alusión al ahora y había poemas donde aparecía Anzorregui o jugadores de fútbol que no juegan más, o tenistas que se retiraron y las generaciones se recambian. Lo que me parece curioso es que la gente de veintipico de años sigue ligando con Vicente igual que hace diez años o igual que hace veinte años. Y son pibes de veinte completamente diferentes a los de hace diez años, pibes que no fueron educados por Spinetta y García o que quizás ahora se compraron un vinilo. Son una generación diferente.

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martes, 2 de mayo de 2017

"Me siguen atrayendo el ruido y el caos" - Entrevista con Dani Perez

Su banda Sucesores de la bestia es una referencia de la música de Rosario. Comanda el sello Audio Buró Label y es productor musical. En 2015 editó su primer disco solista 'La sombra del primero (y otras canciones intratables)' que será presentado este jueves en el Teatro Sony. Hablamos de su primer contacto con el rock, del impacto que le produjo ver a Jimi Hendrix en la televisión, del presente de la música rosarina y de las emociones que se ponen en juego tocando solo.

 
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Programa N° 599. Conocimos a Dani Perez hace unos meses cuando vino a tocar como parte de la banda rosarina Alucinaria en Besares. Arriba del escenario se destacaba su figura alta y espigada, su peinado afro y el swing con que tocaba los teclados acompañado de un movimiento corporal que era como un pasaje gratuito al Bronx en los 70s. Al terminar el concierto, Pablo Comas (alucinario y otro de los talentosos que nos han regalado aquellos pagos) nos advirtió que Dani era una referencia ineludible en Rosario. Entonces, pusimos el oído.

Compositor detrás de Sucesores de la Bestia, la banda de rock- funk que ya tiene más de dos décadas, Perez es también el alma mater del sello Audio Buró Label. En 2015 editó su primer disco solista La sombra del primero (y otras canciones intratables), un conjunto de músicas que habían quedado rezagadas de los discos de la banda y que decidió poner en circulación como un modo de... ¿vaciar la mochila?

La conversación fue por teléfono, Dani en la cama y nosotros en el estudio. Comenzamos hablando del disco y del libro que lo acompaña, Hablar sin saber, que incluye poemas suyos + las letras de las canciones + ilustraciones de Federico Pellegrini + fotos de Maxi Conforti.

La sombra del primero (y otras canciones intratables) se presenta este jueves 04-05 en el Teatro Sony /Cabrera 6027, Palermo / una fecha compartida con Fede Cabral.  

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La charla la pueden descargar acá o escuchar abajo.

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Las canciones que se juntan con los años. "Estoy todo el tiempo escribiendo canciones y haciendo música, entonces siempre es menor la capacidad de editar eso. Lo siento como un peso, pero no es algo grave. No es una mochila que uno carga, pero sí sería lindo poder publicar música más seguido y no tener que esperar tanto tiempo para hacerlo".

Lo solista y el ruido."El rock tiene una cosa muy física. Al tocar solo con la guitarra hay otras emociones en juego, pero ni transpiro, es una cosa más sencilla. A mí me sigue atrayendo más el ruido y el caos".

La actualidad de Rosario. "Habría que separar música de escena. En la música hay una gran movida artística que sucede a pesar de la escena. Los discos y las canciones, si estás metido en la música y estás comprometido con la cuestión artística, es como que no podés evitar hacerlo (...) Eso está fuerte y está bueno. No coincido tanto con la movida low-fi. Yo, por mi edad, la viví en su momento con la primera oleada de low- fi como respuesta al mainstream, y que vuelva ahora me parece una redundancia. Pero, obviamente, no soy el policía de la música y cada uno puede hacer lo que quiera. Más allá de eso, Rosario sufre la falta de lugares piolas para tocar, que se pueda ganar algún dinero, que se pueda sonar bien y que la gente disfrute de un buen show. El público ha mermado mucho y la movida respecto al periodismo y a la gente que la cuenta, también, ¿viste? Muchos de los periodistas que cuentan lo que está pasando en Rosario son tipos que arrancaron cuando yo empecé a tocar, no hubo un recambio de gente más joven. Siempre es más interesante que lo cuenten pibes de 20 a que lo hagamos nosotros que estamos llegando a los 40".