martes, 27 de junio de 2017

"La fotografía es el soporte privilegiado de la memoria" - Entrevista a Ana Masiello


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Programa N° 606. Nos visitó Ana Masiello y lo escuchan ACÁ. Ella es Calígrafo Público Nacional especializada en conservación de papel y fotografías antiguas, y en digitalización y restauración sonora. Nos trajo una historia vinculada a lo que significa su trabajo con esos materiales que bien puede considerarse como uno de los modos de dialogar con el pasado.

"Los seres humanos tenemos una característica que se relaciona con la forma en que nos construimos desde la identidad. Eso que nos hace únicos tiene que ver con nuestra historia, con qué nos identifica y a dónde pertenecemos, con nuestro grupo de pertenencia. En ese punto siento que quienes nos dedicamos a la conservación tenemos la tarea de cuidar esa memoria. ¿Qué va a pasar cuando alguien tenga que revisar los documentos que se generan hoy o cuando alguien dentro de veinte años quiera hacer una lectura de algo que pasó hace treinta?", nos dijo.

Una de sus pasiones es la fotografía. "Es la fuente privilegiada de la memoria", reflexiona. "Hace poco fue reconocida como fuente primaria de información. Históricamente no lo fue, quedó en el medio, no es un arte ni una fuente primaria de información; tenía que estar acompañada de un texto para que sea valorada (...) En los años 30 una chimenea largando humo negro era signo de progreso, hoy claramente no".

Su experiencia la ha llevado a trabajar en lugares y con objetos de significados bien disímiles: desde fotografías rescatadas de inundaciones, a los registros de inhumaciones del cementerio de Avellaneda donde se encontró con la fecha de entrada del cuerpo de Mariano Ferreyra.  Cada documento que tiene entre manos produce un efecto distinto y en ocasiones conmociona. 

"La tarea que tenemos en muy frustrante, estamos peleando contra lo inevitable"

Si bien hicimos bastante hincapié en los documentos en papel, parte del trabajo de restauración se almacena en digital. Eso nos llevó a pensar en los soportes. Al día de hoy disponemos de dispositivos que nos permiten guardar fotos digitales y archivos de sonido en cantidades antes inimaginables. Sin embargo (¡atención familia!), no son garantía de perdurabilidad. Hay una obsolescencia (programada) del software y de los fomatos que nos obligará a migrar de disco externo en disco externo para resguardar la información de la que disponemos. Ana lo explica mejor y en base a su experiencia. "Todas las empresas que venden discos externos o de conservación te garantizan cinco años de estabilidad. Ahora Sony sacó uno de un tera (que es bastante poco) y dicen que tiene una estabilidad de 50 años. Habrá que esperar 50 años", advierte.  

¿Cómo hacer para no perder esa información? En su trabajo hacen migraciones de formato cada cinco años. ¿Volveremos al papel?, le preguntamos. "En España están imprimiendo muchas cosas porque dicen que es más barato conservar el papel que conservar el digital", cierra.

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El recorrido de la charla: Su trabajo en inundaciones / la imagen como lenguaje / la posibilidad de trabajar con documentos a los que pocos ciudadanos acceden / el trabajo manual con los documentos a conservar, restaurar o estabilizar / su trabajo con los registros de inhumaciones en el cementerio de Avellaneda / la restauración del álbum de fotos inéditas del bombardeo a la Plaza de Mayo en 1955 / la pelea contra lo inevitable: el paso del tiempo / las políticas públicas / los soportes de conservación del material que no garantizan la pervivencia. 

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La imagen como lenguaje. "Nuestra generación lleva la imagen como parte del lenguaje. Es muy difícil imaginarnos que hubo un momento en que si vos hablabas de un rey o una persona pública nadie sabía cómo era su cara. Hoy es más común que digas 'Esta cara yo sé que trabajó en tal película' y no te acuerdes el nombre. Es al revés. La aparición es bastante reciente, la fotografía se patentó en 1839".
 
Lo digital. "Algo nuevo va a pasar en la relación que tenemos con la memoria. Las computadoras ya no vienen con reproductores de cd. A veces nos cuesta pensar que lo inmaterial tiene un valor. Yo también trabajo con lo digital, de hecho son los soportes con los que más problemas tenemos (las impresiones digitales), porque no están pensados para perdurar, están elaborados por un mercado que no busca eso. A su vez, nosotros estamos acostumbrados a abrir un cajón y encontrar una foto de tu mamá cuando era chica y en algún momento eso no va a pasar más porque ya nadie imprime fotos. Va a nacer algo diferente, no sabemos qué".

"El soporte digital no está pensado para perdurar, está elaborado por un mercado que no busca eso"
 
El bombardeo a Plaza de Mayo en 1955. "Armamos un taller adentro del Ministerio de Defensa, que es donde está el libro [con las fotos], porque no se podía sacar de ahí; era material inédito (...) Las fotos eran muy fuertes, no hay forma de que esos materiales a uno no lo afecten (..) Había una muy impresionante del despacho de Perón con un agujero en el techo... literalmente destrozado. A mí me resulta increíble que hayan bombardeado la plaza. Yo paso todo los días por ahí".

Pelear contra lo inevitable. "Yo soy una militante del todo es de todos y del libre acceso a la formación. Yo creo que si vos tenés un objeto único y todo el mundo sabe que tenés ese objeto único, es la mayor seguridad que le podés dar. Pero no todos tienen esa mirada. También pienso esto: yo trabajo con objetos que tienen 100, 200, 400 años y quizás a lo largo de ese tiempo estuvieron en manos que permitieron que todos pudieran leerlos. En otros momentos no, pero uno nunca sabe lo que va a pasar. Yo la decisión que puedo tomar es que ese objeto quede lo mejor guardado posible, en las mejores condiciones para que pueda durar más tiempo, porque esa tarea que tenemos en muy frustrante, estamos peleando contra lo inevitable".

"Como restauradora sí o sí tenés que tener una apreciación estética, algo tiene que quedar estéticamente bien. Lo que no podés tener es una libertad artística, porque sino estás armando otra pieza, estás interviniendo. Ese es el límite difícil que manejamos a veces".

Supervivencia. "Somos una generación de trancisión. Sacamos fotos fotos todo el tiempo, ¿quién sabe qué va a sobrevivir de todo eso?" 

Decisión política. "La conservación es una decisión política porque tiene que ver con la asignación de recursos. Es muy difícil, siempre fue muy difícli. Cuando se ponen a recortar desde el Estado, obviamente que lo primero que se recorta son los recursos culturales porque se considera que no son tan necesarios. Yo creo que hoy lo que garantiza la estabilidad de todo el material que es público, es la pasión y la responsabilidad que tienen las personas que tienen en custodia ese material. Yo doy fé que ponen un montón. Conservar no es barato y acá no hay muchas cosas a disposición (materiales, por ejemplo). En política pública siempre somos lo rezagados de la lista porque es un trabajo a muy largo plazo y es muy difícil -por la característica de los gobiernos que tenemos en Latinoamérica- hablar a largo plazo; explicarle a tu jefe que esto va a estar re bueno dentro de diez años. No le importa, necesita algo que pueda ver hoy".

domingo, 11 de junio de 2017

"¿Cómo no cantar temblando? Estamos en el abismo. No es menemismo esto, ¿eh? No son lo 90s, que ya eran terribles. Esto es peor". Entrevista a Liliana Herrero


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Con preocupación por el presente y con una lucidez de potencia desbordante ("estoy preocupada muchachos", nos dijo), Liliana Herrero encara esta semana dos conciertos para conmemorar sus 30 años con la música. Vale la pena reparar en el título: Todos estos años. Territorio y tiempo. Una experiencia en la canción popular argentina.  

"Territorio y tiempo: esa es mi obsesión -reflexiona. No estamos en cualquier lugar, se llama Latinoamérica, Argentina.  Yo soy esa obsesión. Y el tiempo... ¿Qué hacer con el tiempo?, ¿cómo hago para que eso lejano, atrás, arcaico, nos esté esperando?, ¿cómo hago para hacer ese arco temporal loco y pensarlo desde el presente?".

La entrevista la hicimos junto a Oscar Cuervo. Comenzamos el miércoles a las 11.00 de la mañana en su casa y aún la estamos digiriendo. Hay mucho ahí. Entre mate y mate iniciamos un recorrido que arrancó cuestionando la decisión de elegir como música para la movilización Ni una menos a la canción Despacito con letra cambiada y adaptada. "Esa canción representa lo peor del horizonte musical de los pueblos. A un gran movimiento como Ni una menos le debe corresponder un gran texto y una gran música", objeta. 

Inmediatamente después, nos contó la experiencia movilizante e intransferible de visitar a Milagro Sala en la cárcel.

De allí en adelante fuimos tocando los siguientes puntos: los premios Gardel / la creatividad y la complejidad en la vida popular / ¿cómo habitar el abismo y ese enigma profundo que es la vida popular? / Imposible y su trabajo de retomar grandes lineas musicales y poéticas / el pensamiento de A.Rozitchner y Durán Barba / su imperativo moral  / las pequeñas revoluciones / la angustia por lo que está pasando / la correspondencia entre la música y la política / desandar y volver a andar.

La descargan ACÁ.

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Milagro Sala. "Milagro tiene como un cristianismo primitivo. No en un sentido peyorativo, sino en un sentido arcaico. Ese viejo y antiguo cristianismo. 'Yo tengo que rescatar -diría su pensamiento - a los marginales de los marginales, a los que están a la intemperie total, a la intemprie absoluta, y con ellos construyo el barrio'. Y una apuesta enorme a la educación. Ir y controlar si van a la primaria, a la secundaria o a la universidad. Con eso hay que armar un gobierno, no con los restos putrefactos del PJ. Eso es lo que ella piensa. Después tenés un perverso como Morales que va y destruye un barrio. Es un perverso abominable".

"La patria se entregó. Y culturalmente han ganado la batalla... si es que la cultura pasa por los medios".

La vida popular. "¿Cómo habitar ese abismo y ese enigma profundo que es la vida popular, y que es la música y la herencia que hemos recibido de nuestro continente y de la música universal y de la memoria y la poesía de esta patria llamada Argentina?. [Lo que yo quiero] es ver qué hago con ese mundo y cómo lo transformo. Ese, me parece, es el camino. Sino estamos condenados a aceptar las cosas como son, usando esa frase popular que es tan deleznable: las cosas son así. Si las cosas son así, entonces dejemos a Milagro presa eternamente, no hagamos música, no apaguemos el televisor y sigamos viendo Intratables".

El arte. "El arte está para impedir la reproducción de la maquinaria (...) La política, como el arte, está para trabar la maquinaria".

Los discos. "Hago discos tambien, aunque apenas movamos el amperímetro".

Imposible. "Yo para esta época no quería nada estridente. El disco de esta época es Imposible porque no es estridente. Imposible es un disco austero, ciudadoso, acústico, es lo contrario a lo que estos tipos son: son fiesteros".

El pasado. "Yo no sé por qué desando viejos caminos. Porque son valiosos, pero tengo que encontrar la valía y no sé dónde está. Por eso, la primera frase que yo digo ante un tema es: 'Hay que sacarlo de acá, hay que ponerlo en otro lado'. Para mí eso es una revolución. Para mi eso es una revolución cultural, política... Pero para hacer una revolución hay que sacarlo de donde está y ponerlo en otro lado".

Obsesión. "Territorio y tiempo: esa es mi obsesión. No estamos en cualquier lugar, se llama Latinoamérica, Argentina.  Yo soy esa obsesión. Y el tiempo. ¿Qué hacer con el tiempo?, ¿cómo hago para que eso lejano, atrás, arcaico, nos esté esperando?, ¿cómo hago para hacer ese arco temporal loco y pensarlo desde el presente? Entonces, pensé en llamar [estos conciertos] Todos estos años... puntos suspensivos. Luis no está".


El macrismo. "Dejemos de burlarnos de estos tipos. Ellos saben perfectamente lo que están haciendo. Dejémosnos de joder, esto es serio, es muy serio, no es un juego de niños. Y si tienen que matar van a matar".

Los símbolos. "La insistencia en los símbolos no es buena, pero el retiro de los símbolos es el páramo".


"Yo para esta época no quería nada estridente. El disco de esta época es Imposible porque no es estridente. Imposible es un disco austero, ciudadoso, acústico, es lo contrario a lo que estos tipos son: son fiesteros".


- ¿Cómo no cantar temblando hoy, o con furia, o con las dos cosas? Estamos en el abismo... Estamos en un momento muy crítico. No es menemismo esto, ¿eh? Esto es peor. No son lo 90s, que ya eran terribles. Esto es peor.

-  ¿Por qué?

- Porque la patria se entregó... está totalmente entregada. Y culturalmente han ganado la batalla... si es que la cultura pasa por los medios.

lunes, 5 de junio de 2017

Entrevista a Seba Ibarra

El músico chaqueño se presenta este miércoles 7 de junio en el CC Recoleta. Hace unos días estuvimos charlando de su actualidad. Lo pueden descargar ACÁ.


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Hacía mucho que no hablábamos con Seba Ibarra, artista y gestor cultural que reside en Resistencia, Chaco. Desde 2012, cuando editó Infrenable paraíso, que no saca disco solista. ¿Qué pasó en estos 5 años? "En 2015 surgió la posibilidad de hacer un disco para chicos en Resistencia de una manera que yo nunca había trabajado: apareció un megaproductor, que es la empresa de agua de Chaco, y tuvimos la posibilidad de jugar a esa fantasía de ser el músico que no tiene que hacer otra cosa más que grabar un disco", nos dijo. "Pudimos encerrarnos tres semana a pensar nada más que en eso, a crear los temas. Fue muy lindo poder hacer eso".

Una vez finiquitada esa experiencia llamada Tierra verde (música que lleva su marca registrada y que tranquilamente se puede pensar como continuidad de su camino solista), se puso a pensar en lo nuevo.  Actualmente está probando una formación sonora de guitarra y dos percusionistas. "Ya están grabadas las bases de cinco canciones con ellos", adelanta. "Ese es el sonido con el que estoy luchando, porque me está exigiendo como guitarrista, como músico y como cantante. Resumiendo: no grabé disco porque estuve en la búsqueda de un sonido", sentenció.

"Estoy yendo por caminos que no son comunes"

El recorrido de la charla: La búsqueda de un nuevo sonido / ¿es necesario tener un disco? / la necesidad para un músico independiente de legalizar su obra / las preocupaciones actuales de los artistas independientes en Argentina ("la preocupación es cómo sostener los proyectos") / su diálogo con la tradición ( "Siempre que uno es un paria musical para la mirada más conservadora, te genera alguna seguridad porque -de última- indiferente no pasó" / cómo abrirse paso y no ir por el camino que ya fue andado.
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jueves, 1 de junio de 2017

"La poesía es otra manera de vivir el tiempo" - Entrevista con Diego Alfaro Palma

Es chileno y vive en Buenos Aires desde hace cuatro años. Lo conocimos hace unas semanas presentando a Raúl Zurita y de allí saltamos a su poesía. Una conversación sobre libros, Chile, la generación de sus padres, la dictadura, las movilizaciones estudiantiles y el desencanto. La descargan ACÁ.


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Programa N° 603. Diego Alfaro Palma es poeta y tiene dos libros editados: Paseantes y Tordo. Nació en Limache (Chile), una ciudad de 30 mil habitantes rodeada de árboles y montañas a mitad de camino entre Valparaíso y Santiago. En 2013 vino a Buenos Aires, quizás algo desencantado por el rumbo que estaban tomando las cosas en su país. "Yo creo que llegué por los libros -nos dijo. Pero me vine un poco harto de Santiago, harto de ciertas cosas que me pasaron. Me tocó vivir un par de años bien fuertes cuando fueron las movilizaciones estudiantiles. Yo fui profesor, trabajé en una villa y me tocó vivir cosas que me hicieron sentir agradecido de mí mismo y de gente que conocí ahí. Pero fue muy fuerte". 

El contexto histórico y un movimiento estudiantil que se levantó para exigir una educación gratuita e inclusiva parecían un buen motivo para estar en el epicentro de Chile, pero -nos dirá- con el tiempo ese verdor se fue licuando. "Veía que no salía nada de ahí. Más allá de los movimientos, la fuerza y todo eso, no sabía para dónde iba eso. Y dije: 'No'. Un amigo de Limache que también es escritor, Fernando Correa, me recibió acá y me vine a trabajar en una librería. Y me empecé a quedar".
 
Nosotros llegamos a su poesía de manera indirecta. Lo conocimos hace unas semanas presentando In memorian, el libro que Raúl Zurita editó a través de Audisea y que presentó en la librería La Coop. Allí, Alfaro Palma contó el momento en que se produjo su primer acercamiento a la poesía: iban con su madre y sus hermanos hacia Pucón y desde arriba de un auto vió un cartel que anunciaba una lectura con una palabra que nunca había escuchado: Zurita. "Ese fue una acercamiento bastante impactante para mi", recuerda. "No fue el único, fue uno de los tantos". 

Sus palabras para Zurita resultaron para nosotros un puente a su propia poesía, sobre todo cuando dijo: "Todos los que escribimos en Chile escribimos la historia de nuestras familias, que es la historia de nuestro país, que es la historia de la cordillera, que es la historia del mar". Así llegamos a Tordo, libro que tuvo su edición argentina en 2016 y que está escrito en dos partes: una que contiene poemas cortos y medianos; y otra con poemas de largo aliento.


"Todos los que escribimos en Chile escribimos la historia de nuestras familias, que es la historia de nuestro país, que es la historia de la cordillera, que es la historia del mar". 

"Fue sacarse algo de adentro con mucha dificultad", advierte Alfaro Palma. "La primera parte se tardó tres años escribiendo, desde que estaba en Chile hasta que me vine acá. Editamos esa pequeña plaquetita por el sello que teníamos [NdB: Limache250]. Y en un momento, a partir de ciertos hechos, apareció un personaje que se llamaba Jeanne y decido escribirle un par de cartas. Finalmente me di cuenta de que no eran cartas, eran poemas. Entonces, fue como hacer una poesía en segunda persona pero mirándome a mí mismo, siendo lo más certero con lo que me había pasado, por dónde había ido, qué me había ocurrido los últimos años, mi familia y a través de la historia de mi familia la historia de mi país, y a través de la historia de mi país la historia geográfica de los movimientos de tierra, la fauna y una flora que está más presente en el libro nuevo que va a salir que se llama Litoral central. Pero eso salió así, no podía parar de escribir".

Nos detenemos un momento en esa segunda parte de Tordo. Describíamos al comienzo cierto desencanto que se percibía en su disparada de Santiago. Quizás, en parte, su decisión sea producto de lo que después pudo condensar en estas líneas del poema IV: "Mi mejor alumna se suicidó / escribía poemas obras de teatro enormes / terminaba antes que todos / nunca entré en su mundo / la excusa de las cuarenta y cuatro horas no es suficiente". La poesía se vuelve necesariamente dramática y el final de ese poema (que leyó al aire) nos deja a todos con un nudo en la garganta. "Todo lo que pueda hacer el arte ahí es re importante, porque el nivel de desencantamiento y no poder lograr lo que la sociedad te pide que tenés que lograr, es muy estresante para un joven de 18 años. La deuda económica con la que tiene que cargar una familia es también una deuda afectiva. Todos sabemos cómo funcionan las deudas en latinoamérica y es terrible, más cuando está instalada dentro de una casa. Ahí, ese sistema ya es siniestro". 

"La poesía es otra manera de vivir el tiempo. Nos sumergimos en otras capas, en otra densidad, y empezamos a vivir las palabras de otra manera que no es como funcionan en los medios de comunicación o en el día a día, o en lo ultrainstantáneo de internet. Creo que eso es lo que está acercando a mucha gente a la poesía: otra manera de vivir. Y eso me gusta"

Otro poema en el que nos detuvimos fue el III. Allí escribe: "Y yo te pregunto Jeanne si alguna vez supiste / de una historia más triste que la nuestra / si alguna supiste de una generación más cómoda / en la ignorancia del que nunca se contentó con nada". ¿De qué generación habla cuando habla de generación? ¿De la suya?, ¿de la de sus padres que vivieron en dictadura? Nos responde: "Es muy difícil interpelar esa generación [la de sus padres] porque uno no lo vivió. Le puedo decir una par de cosas a mis viejos y puedo escribir un par de cosas, pero me parece muy difícil interpelarlos, porque no sé si yo hubiera hecho lo mismo. Y ahí dejo la cuestión dando vueltas... Obviamente, creo que no hubiera hecho lo mismo, pero... pero no los puedo juzgar.

- ¿A qué te referís con hacer lo mismo?

-  A veces guardar silencio es simplemente no preguntarse. En un momento los amigos de la familia se fueron y no volvieron. ¿Nadie se preguntó por qué se fueron y volvieron después de veinte años? Cosas así. ¿Por qué desaparecía gente? Eso no era un rumor. En Chile la dictadura fue muy larga, de mucho silencio y muy concentrado dentro de las casas. No fue una dictadura como la de acá, donde la gente salió en un momento. En Chile se demoró mucho en salir. En Chile prevaleció la tortura. La tortura hace que la persona que fue torturada vuelva y ya no quiera hablar, entonces -como decía Benjamin- ahí la narración se corta, se acaba. Vivimos en una época donde no hay una experiencia de la narración. Y eso también pasó. Claro que hubo muertos de a centenares, todavía no se sabe. Hay una poesía de esa época, pero en cierta forma, y gracias a la poesía que siempre fue un valor gracias a los viejos de principio de SXX en Chile, creo que gran parte de la historia la pudimos conocer gracias a la poesía. Y es nuestro valor moral frente al decaimiento de las instituciones, como se está viviendo en Brasil. Los poetas vuelven a surgir como entes morales de la tribu, no tan escuchados, obviamente, pero es interesante cómo la juventud vuelve a ellos a escucharlos.

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Abajo se puede ver y escuchar la lectura de dos de sus poemas.

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La poesía I. "La poesía es otra manera de vivir el tiempo. Nos sumergimos en otras capas, en otra densidad, y empezamos a vivir las palabras de otra manera que no es como funcionan en los medios de comunicación o en el día a día, o en lo ultrainstantáneo de internet. Creo que eso es lo que está acercando a mucha gente a la poesía: otra manera de vivir. Y eso me gusta".

La poesía II. "Siento que la poesía está siendo más escuchada que leída. Lo charlaba con Santiago Sylvester, que me decía: 'Yo siento que la gente va a las lectura más para escuchar que para leer'. Está bueno eso que decía. Me sigue dando vueltas. Me parece que en Latinoamérica, en el último tiempo, hay un movimiento muy fuerte, muchas editoriales inedependientes, muchas lecturas, festivales y la gente asistiendo". 

La poesía III. "Mucha gente queda con la imagen de que la poesía se quedó en hablar del jardín y el frasco de mermelada. Uno puede incluir al jardín y al frasco de mermelada, pero en medio de eso son tantas las capas de discurso que tenemos todos los días... la política, los medios, la televisión. Uno en un momento puede estar hablando con otra persona y estás con el wassapp, y al mismo tiempo escuchando a alguien en la radio y hay un auto que pasa... Es tan simultánea y tan inmediata la vida en la ciudad que la poesía se está haciendo cargo de eso también. Entonces, la poesía no es un camino de ida de endecasílabos nada más. Puede serlo, pero hay que hacerlo bien. Yo soy más bien de la teoría de que el poeta es un DJ, es el que está mezclando. En esa densidad del lenguaje se mueve uno".

"La poesía es nuestro valor moral frente al decaimiento de las instituciones"

Generación. "Nuestra generación vive en una situación muy arenosa, porque está todo ocurriendo instantáneamente y ahí hay una comodidad. Eso lo veo más en Chile que acá. Me refiero a lo instantáneo, lo inmediato, a la resolución sin mirar atrás, no hay memoria, 'no importa, esos discursos son viejos'. Siempre hay resistencias, pero en general la gente se cansó de no conversar el tema. Y eso es raro".

Las movilizaciones estudiantiles y el desencanto. "Yo creo que nadie quedó indemne de esas marchas gigantes que salían en la tele (...) Lo que pasa es que en un momento, cuando llegan las elecciones, [la disyuntiva] era continuar con un sistema piñerista (como está pasando acá con Macri) o volver a la centroizquierda desgastada. Gran parte del movimiento estudiantil universitario se fue para el lado de la izquierda que venía desmembrándose hacía bastante tiempo. Y cayó en una forma de contentamiento... ¿existe esa palabra? No sé, pero la vamos a inventar. Confortably numb (risas). En eso se empezó a agotar el movimiento y lo extremo empezó a ocurrir. Las formas de transformar ese sistema educacional a través de la sumisión a los partidos políticos, terminó llevando a los jóvenes estudiantes de secundaria y a los que entraban a la universidad a decir: 'No, se acabó'. Ahí es importante cómo el anarquismo agarró vuelo en Chile. Es también interesante cómo distintos movimiento de de izquierda un poquito más extremos llevaron a esta debacle. Aunque se lograron ciertas cosas, cierto nivel de gratuidad, me parece que el sistema tiene una maquinaria tan adentro, tan dificil de sacar... Es el sistema de ingreso a la educación donde está el germen del problema. Hasta que no se mate ese monstruo, me parece que todo lo que se puede hacer es echarle fuego a ese asado".

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sábado, 27 de mayo de 2017

Cuidando la llama - Entrevista con 'El Gnomo' Martín Reznik

 
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Programa N° 602. Antes de una nueva presentación en formato trío con La Filarmónica Cósmica, nos visitó El Gnomo Martín Reznik. Entre mates y facturas charlamos del arte de hacer canciones / cómo hacer para hablar del presente sin caer en lo obvio / la composición / la búsqueda y los intentos / la identidad.

"Estoy en un proceso interno en el que siento que quiero decir un montón de cosas y todavía no le encuentro la vuelta -nos dijo. Música hay, pero tengo necesidad de cambiar un poco en relación a la lírica. Todavía no sé a dónde va a ir". Y siguió: "Uno no está preparado para bajar la data, sé que hay algo que va a aparecer y me voy preparando para que eso suceda".

"A mí no me sale mucho intentar si no estoy inspirado. No me sale nada. Soy de sentarme a trabajar cuando viene la inspiración. Con la música es distinto, creo que tengo el canal más abierto"

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Para descargar la entrevista clickeá ACÁ.

viernes, 26 de mayo de 2017

Arte y verdad V y VI


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Dejamos los capítulos V y VI del ciclo de charlas filosóficas que lleva adelante Oscar Cuervo dentro de nuestro programa. 

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Capítulo V lo pueden escuchar ACÁ

Capítulo VI ACÁ

viernes, 19 de mayo de 2017

"Todos tenemos una pequeña máquina autómata generadora de texto". Entrevista con Julián Galay antes de montar 'La estructura inerte' en la BP.17


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Programa N° 601. Julián Galay es un artista que trabaja con los vínculos. Lo conocimos como músico integrante del Ensamble Chancho a cuerda, pero su universo artístico se fue expandiendo más y más gracias a que él mismo fue saltando fronteras hasta liberar su deseo de abarcar otros espacios, otras disciplinas y otras artes. Hace un año ya nos había dicho: "Todo lo que tiene que ver con el arte me interesa" [ver acá]. Hoy habla como si la división entre arte y no arte no existiese, como si no pudiese concebir el mundo más que como un lugar cuyo único interés radica en que todo es factible de ser utilizado como material artístico. En ese trabajo, los vínculos son parte fundamental del proceso y de la obra que acaba de estrenar. "Lo performático en mi obra trata de eso: de los vínculos, de los mecanismos de trabajo y de los métodos de producción", nos dijo.

La cosa es que en el marco de la II Bienal de Performance inauguró (hoy viernes) La estructura inerte, su segunda obra multidisciplinaria. Se puede volver a ver sábado 20 y domingo 21 de 15:00 a 19:00 hs en el espacio cheLA, Iguazú 451 (estación Parque Patricios de la línea H).

Copiamos una parte de la gacetilla: Este nuevo trabajo, creado especialmente para la sala Colectivo Hipermediático de cheLA y BP.17, presenta en el centro de un galpón una enorme isla de diecisiete metros de largo con cuarenta y cinco kilos de tierra. Parlantes resuenan y dialogan con el espacio vacío produciendo un coro de murmullos; suena una colección de sueños de los artistas participantes de BP.17. La isla está cubierta por un bosque de árboles secos en miniatura. Entre ellos se ven algunos edificios abandonados, todavía encendidos. Sobre este micro mundo, a noventa centímetros de altura, nueve vitrinas a escala real contienen naturaleza detenida. El objetivo es apropiarse del mecanismo de los sueños ajenos, usarlos como pequeñas máquinas autómatas generadoras de texto. A lo largo de los primeros siete días Julián Galay, sin ayudantes y con su propio cuerpo, construye la instalación. Lo íntimo, lo privado y lo ajeno, las colecciones y las obsesiones personales inventariadas y catalogadas se concentran en una misma habitación.

Recapitulamos: un galpón,
una isla de tierra cubierta por un bosque en miniatura de árboles secos, naturaleza detenida y parlantes distribuídos meticulosamente de donde salen veinticuatro narraciones distintas de veinticuatro artistas participantes de la bienal a los que Julián les pidió que graben un sueño. Se pueden escuchar, superpuestas unas con otras, las voces de Albertina Carri, Amalia Tercelan, Ana Gallardo, Andrés Belfanti, Christian Falsnaes, Dudu Quintanilha, Emilio García Wehbi, Gastón Pérsico, Liliana Porter, Lola Arias, Luciana Acuña, Magy Ganiko, Manuela Sol Anquino, Marcelo Delgado, Marcos Perearnau, Marina Otero, Ismael Verde, Nazareno Pereyra, Santiago Sierra y Victoria Boulay.

Algunos de esos sueños los compartimos al aire. Julián los fue eligiendo en vivo según lo dictaba el momento. La experiencia fue sorpresiva. En la obra no se va a saber quién dice qué, por lo tanto respetamos el anonimato de los soñadores. Escuchamos un relato en danés donde se aprecia lo hermoso y extraño de un idioma y una articulación diferente, a un argentino que sueña con su abuelo de la infancia, a una directora que dice estar contando el sueño más erótico que tuvo en su vida y otra reconocida dramaturga que se despertó de madrugada y al instante agarró el celular para grabar lo que acababa de soñar. Con ese nivel de compromiso se tomaron la tarea quienes participaron. 

Nos contó que él tenía una "pequeña teoría" y es que algunos artistas cuya obra conoce bien, cuando sueñan lo hacen como si estuviesen dando forma a una obra. "Es increíble, uno no puede saber ya si la obra influye al sueño o viceversa. No importa, pero es increíble cómo son muy representativos de la obra que hace cada uno".

"Lo performático en mi obra trata de eso: de los vínculos, de los mecanismos de trabajo y de los métodos de producción. La obra en sí podría ser una instalación. En la obra final no hay algo performático más alla de que se trabaja con los sueños de los artistas y a mí me interesaba la idea de llevar una performance sonora, llevar algo muy íntimo y comprometido de artistas, y que no estuviera el cuerpo (cuando justamente la idea de la performance es que estuviera el cuerpo)"

Sabedor de que meterse con los sueños es meterse con la intimidad ("incluso de una manera conmovedora", nos dijo), hizo un trabajo previo con sus amigos antes de encarar el pedido a los artistas que forman parte de la Bienal. Una vez que vió y escuchó que funcionaba, empezó el trabajo de convencimiento. "El sueño no podía estar leído, sino que lo tenían que recordar mientras lo contaban. Incluso cuando uno dice: '¿Estoy inventando lo que me acuerdo?'. En muchos de los sueños se da una respiración que uno no tiene cuando habla. A mi me interesa ese momento donde el sueño es eso, es lo que uno está recreando. Ese momento donde la memoria con el consciente van intentando reconstruir algo que quizás ni siquiera es tan lineal. Uno a veces tiene un sueño que dura diez minutos, pero lo sueña en dos segundos, ¿no? Es mucho más complejo el funcionamiento del sueño, entonces al recrearlo siempre de alguna manera uno lo va a estar creando".

Galay aclara que no le interesa interpretarlos: "Me interesa más que todos tenemos una pequeña máquina autómata generadora de texto. Es increíble la cantidad de texto, imagenes, colores, sensaciones, estructuras, obritas que generamos sin parar. Hablaba con un amigo de mi viejo que me decía: ´Qué desperdicio´. Él anotaba sus sueños y me los leía y le parecían alucinantes. Hablábamos de eso, qué desperdicio todas estas mentes diferentes generando y generando. La idea era apropiarse un poco de eso".

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La conversación completa la pueden descargar ACÁ.

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La charla merece escucharse entera. Un dato que pasó desapercibido y dimensionamos una vez que volvimos a la entrevista es este párrafo respecto de su trabajo para La estructura inerte donde remarca la importancia de los vínculos con la que empezamos el post: "Son trabajos donde disfruto mucho trabajar en colaboración. Yo sé que hay muchas cosas que no sé, entonces también es un disfrute trabajar con gente especialista en otras ramas con la que puedo dialogar y construir. Incluso en esta obra donde supuestamente trabajo solo (esa era la idea inicial), naturalmente, por cómo llevo la amistad y los vínculos, se fue dando que se generó un equipo de trabajo. Por eso me parece interesante lo de la Bienal de Performance, porque casi que lo performático en mi obra trata de eso: de los vínculos, de los mecanismos de trabajo y de los métodos de producción. La obra en sí podría ser una instalación. En la obra final no hay algo performático más alla de que se trabaja con los sueños de los artistas y a mí me interesaba la idea de llevar una performance sonora, llevar algo muy íntimo y comprometido de artistas, y que no estuviera el cuerpo (cuando justamente la idea de la performance es que estuviera el cuerpo). Había ahí una chicana desde lo sonoro".

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La expansión más allá de la música. "Pienso que es algo que yo tenía latente desde chiquito. Por ahí hubo algo personal o familiar que lo disparó, pero es algo que estuvo latente desde siempre, incluso en mis juegos. Estudiaba pintura, dibujo, teatro, literatura, iba al Instituto Vocacional de Arte, que es público, donde se hacen todas las disciplinas. Había un interés y sentía bastante conflicto cuando tenía que especializarme y estar ocho años estudiando bajo eléctrico. Por suerte lo hice, porque me dió una herramienta con la que ahora yo puedo dialogar con Chancho a Cuerda, pero llegó un momento en que llegué a un piso que ya me servía y empecé a liberar unas ganas muy grandes de abarcar otros espacios".

sábado, 13 de mayo de 2017

Arte y verdad III y IV


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Dejamos los capítulos III y IV del ciclo de charlas filosóficas que lleva adelante Oscar Cuervo dentro de nuestro programa. Ya nos metimos de lleno con El origen de la obra de arte, una conferencia que Heidegger brinda en 1935.

Este párrafo es fundamental para poder seguir adelante:

"Todo el mundo conoce obras de arte. En las plazas públicas, en las iglesias y en las casas pueden verse obras arquitectónicas, esculturas y pinturas. En las colecciones y exposiciones se exhiben obras de arte de las épocas y pueblos más diversos. Si contemplamos las obras desde el punto de vista de su pura realidad, sin aferrarnos a ideas preconcebidas, comprobaremos que las obras se presentan de manera tan natural como el resto de las cosas. El cuadro cuelga de la pared como un arma de caza o un sombrero. Una pintura, por ejemplo esa tela de Van Gogh que muestra un par de botas de campesino, peregrina de exposición en exposición. Se transportan las obras igual que el carbón del Ruhr y los troncos de la Selva Negra. Durante la campaña los soldados empaquetaban en sus mochilas los himnos de Hölderlin al lado de los utensilios de limpieza. Los cuartetos de Beethoven yacen amontonados en los almacenes de las editoriales igual que las patatas en los sótanos de las casas".
 
El primer disparador que propone es que una obra es una cosa. Pero, ¿es solo una cosa?, ¿en qué medida una obra es algo distinto de una cosa?, ¿qué es una cosa, entonces?, ¿y qué es una obra?

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Capítulo III ACÁ.

Capítulo IV ACÁ.

viernes, 12 de mayo de 2017

"La música y el arte tienen que lograr resignificar todo constantemente" - Entrevista con Pels

Se presentan mañana en una fecha compartida con El Estrellero. La cita es a las 22.00 hs en Rosetti 722. Abajo la charla con Tingo donde hablamos un ratito de la fecha y mucho de música.


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Programa N° 600. Nos visitó la familia Zucal: Tingo, su hija Lola y su compañera Mica. Tingo es el compositor de Pels y este sábado -mañana- van a tocar en una fecha conjunta con El Estrellero [hablamos con Juan Irio acá]. 

Que haya venido con la familia le dió un tinte íntimo. Nos regalaron un charla muy cálida y canciones a dúo con Lola, que tiene 16 años y canta, además de tocar clarinete, violín y guitarra. Presten el oído porque todo lo que cantaron formará parte del próximo disco de Pels cuyo título no sabemos pero que -aseguramos- trae muy buenas caniones. 

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La charla la pueden descargar ACÁ. Abajo dejamos algunos fragmentos desgrabados, pero escuchen completo porque hay mucho ahí dentro.

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- ¿Sos lector?

- Me siento Frank Zappa a veces, a él le parecía aburrido leer. Yo estoy en la etapa menos lectora de mi vida. Tengo un nivel de acelere y ocupación muy grande y cuando hay espacio libres desayuno y toco la guitarra. Sino, estoy laburando o estoy haciendo música. Generalmente la mayor parte del tiempo es grabar y eso en mi caso lleva muchas horas porque grabo instrumento, grabo la voz y estoy muy pendiente de lo otro que se graba. Estoy en el momento menos lector de mi vida.

- ¿Qué es lo que más ocupa tu pensamiento vinculado a la música?

- Lograr hacer una buena síntesis con las letras. Muchas veces me quedo con la sensación de que podría haber escrito una frase mejor, tratando de buscar una temática que deje algo de rulo, alguna contradicción, que no sea un simple relato de mis aconteceres, que tenga un chiste. Eso me tiene todo el día, vivo escribiendo en papelitos o donde sea. Tenemos una carpeta llena de papelitos donde escribí más de doscientas canciones. En este momento en que me siento más maduro y reflexivo estoy preocupado por darla con la letra. En otro momento no, yo era más musical que lírico, buscada el arreglo. El disco que estamos grabando es un valle en lo que es la composición musical, los temas son más sencillos, no grabé guitarra eléctrica, grabé todo acústicas. Estamos apuntando para ese lado.

- ¿Encontrás en el día a día estímulos como para tener algo sobre qué escribir? ¿Te pasa estar frente a una canción y no tener de qué hablar?

- Si, me pasa mucho, pero no me trabo ahí. Me trabo más en cómo continuarla. Si hacemos un análisis de mis canciones, probablemente las primeras estrofas son mejores que lo que sigue [risas]. Más que nada eso, hacer algo redondito, lindo. A cualquiera que escribe lo persigue.

"En general Gospels tiene mucho de catarsis psicológica mía, hay un montón de historia mía y de situaciones que las puse a como dé lugar. Hay veces que las palabras no entran y... entraron"

- Igual la frase: "Todos estamos hechos de todo / y como de todos algo mío tiene dios" llega después de una largo recorrido en la canción.

- Si, exactamente. Esa letra es muy profunda por lo que sucedió en mi vida, por lo que me llevó a escribir esa canción. En general Gospels tiene mucho de catarsis psicológica mía, hay un montón de historia mía y de situaciones que las puse a como dé lugar. Hay veces que las palabras no entran y... entraron.

Con Lola hicieron una canción nueva que se llama Luna negra. Tiene una estructura sencilla -como ya nos había adelantado Tingo respecto del próximo disco-, aunque viniendo de Pels siempre es de esperar que lo sencillo no esté exento de rulos. Tingo canta: "Yo sé muy bien / no hay tiempo para desaparecer". Es una sensación amarga la que ataca al cuerpo y al oído cuando aparece una palabra como desparecer. Es como si estuviera prohibido nombrarla fuera del contexto y la carga política y de horror de la que se cargó en los últimos 40 años despúes de haber salido de la boca del dictador genocida Videla. Él la nombra y le preguntamos por eso.

- ¿Se piensa en esas cosas?

- En Gospels, en la canción Tren de la juventud, escribí: "Yo prefiero morir acá / sin entierro y sin ataúd". A mí me contradijo tanto que por momentos dije: "¿Qué estoy escribiendo?". Lo que pasa que fue un proceso en nuestra historia que tiñó todo y se adueñó de algunas palabras tristemente. A su vez pienso que la música y el arte tienen que lograr resignificar todo constantemente, con lo cual eso me hace seguir adelante. Pero son cosas que me pegan todo el tiempo.

"Muchas veces descarto armonías, melodías o palabras pensando que con Pels estamos en un lugar donde ya hay un determinado tipo de mirada y de etiqueta, y que esas cosas que compongo no pegan. Un poco me odio por eso. Me parece que debería ser al revés, todo el tiempo tratar de desetiquetarse"

- ¿Existen lo prejuicios musicales a la hora de componer?

- Si, yo creo que sí. Prejuicios propios. Muchas veces descarto armonías, melodías o palabras pensando que con Pels estamos en un lugar donde ya hay un determinado tipo de mirada y de etiqueta, y que esas cosas que compongo no pegan. Un poco me odio por eso. Me parece que debería ser al revés, todo el tiempo tratar de desetiquetarse. Por eso los discos tienden a virar y a querer hacer recorridos diferentes. Nunca escapan de la composición de uno, ¿viste?.

- Eso forma parte del estilo.

- Claro. Yo me siento incómodo en las etiquetas y tiene que ver con eso, con estar todo el tiempo abriendo puertas y saliéndose de lugares encasillados.

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jueves, 11 de mayo de 2017

Entrevista a Juan Irío de El Estrellero


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Programa N° 598. Hablamos largo y tendido con Juan Irio, el compositor platense que al frente de The Siniestros editó cuatro disco y un simple. Cuenta la historia (ya conocida) que dos semanas antes de meterse en los estudios ION para registrar su quinto disco algo sucedió: "El caos venció a la creación y nos dejó con miles de palabras maravillosas en la boca. Por eso, no habrá un quinto disco de los Siniestros (que era la gloria, créannos!)", escribieron en su blog a modo de despedida. 

Gran parte de ese material fue a parar al deslumbrante El ideal de lo común que Irío editó como solista y que resultó estar entre los discos más interesante del 2014. Para ese momento ya había conocido a Lautaro Barceló y estaba en marcha El Estrellero, la banda que ambos comparten junto a Gregorio Jáuregui en batería, Alejo Klimavicius en guitarra y voz, Juan Baro Latrubesse en teclados.

Drama es el primer disco que editaron y Pobre corazón la canción que funciona como la piedra fundacional de la banda y que mejor representa el potencial del que disponen, pues es la única compuesta entre los dos.

La novedad es que ya tienen un disco a punto de terminar que estarán editando en los próximos meses. "Tiene mucha cita a la coyuntura", nos dijo Irío. "Por ese lado se puede encontrar mucho significado. Es un disco muy belicoso, tiene algo que yo no había trabajado antes que es la opresión, el dominio de un ente a un ser humano; un disco muy monárquico, muy imperial, eso se va a ver cuando salga la tapa. Es el disco que más relación tiene con el clima de época de todos los que hice", adelantó. 

La conversación se realizó un rato antes de la presentación que hicieron en Ladran Sancho. El sábado 13 de mayo El Estrellero compartirá fecha con Pels. A no perdérsela.

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- Hubo un momento en que vos te subís al auto, prendés la radio y ¿qué paso?

- La historia es muy loca porque no es que yo digo: "Esto es mío". Yo prendí la radio y sonaba una canción. Nadie cantaba, era sólo la música. Habrán sido cinco segundos, pero esos cinco segundos donde decís: "Esto lo conozco". Por un momento se me pasó: "¿Será una canción mía que la conozco tanto?". Despúes no, claramente no era una canción mía, a los seis segundos ya no lo era, pero fueron segundos donde yo dudé si era mío lo que estaba sonando, porque iba escuchando FM Universidad que es una radio que suele pasar mucha música local de La Plata. Y cuando descubrí que era de Lautaro le escribí un mail y le dije que me había gustado lo que hacía, y le dije que ojalá algún día hagamos algo juntos. Él había ido a ver a The Siniestros y le había gustado mucho, entonces es como que estaba latente la idea de juntarnos sin que los dos lo supiéramos que iba a ser así.

"Es muy intertextual mi forma de ver los discos. Necesito que un disco sea autorreferencial, que una canción no sea solamente una canción sino que esté metida dentro del gran relato que es un disco"

Las letras. "Siempre pensé las letras como parte del sonido de la canción. No tanto la elección de las palabras, sino la sonoridad de las palabras es lo que me atrae. Al momento de escribir uno busca que sea lindo lo que está leyendo también, porque la palabra canelón puede sonar bien pero por ahí en la canción queda espantosa".

Rima. "Rima pertenecía a lo que iba a ser el próximo disco de The Siniestros. Estábamos a un mes de grabarlo y la banda se separó. Teníamos quince canciones para elegir, estaba Rima, La Fórmula, Fiesta de lobos, Peste de mi disco solista, Los ídolos, El pinar... Cuando se separa la banda agarro algunos para el solista y otros los dejo para El estrellero más adelante. Pero tenía que armar un imaginario de disco y sabiendo que venía por ese lado use Rima y La derrota. Es muy intertextual mi forma de ver los discos. Necesito que un disco sea autorreferencial, que una canción no sea solamente una canción sino que esté metida dentro del gran relato que es un disco, saber que pertenece a un concepto cerrado que podés tomarlo solo escuchando una canción, pero me gusta que se repitan palabras, que puedas encontrar sentido entre dos canciones. No están tan alejadas. El ideal de lo común y Drama para mi es casi una linealidad".

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Para descargar la charla ACÁ.

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miércoles, 10 de mayo de 2017

"Hay noches que duran años; noches que son las noches de la historia de un país" - Entrevista con Nadia Szchaniuk


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Programa N° 600. Hablamos con Nadia Szchaniuk, cantante y compositora salteña que vive en Buenos Aires desde ¡2001! y que acaba de editar Luna atrás, su segundo disco en formato trío junto a Bruno Moguilevsky en piano, rodhes y sintetizadores; y Alejandro Starosielsky en guitarras.

Nadia suele decir que el tránsito hacia este disco comenzó hace muchísimo tiempo cuando se encontró con una nana española. A partir de ahí empezó a parar la oreja cada vez que se cruzaba con una canción de cuna y fue haciendo, serenamente, un trabajo de recopliación. Es una búsqueda que no está excenta de malentendidos; el disco (lo vamos a decir por si hace falta) no es un compilado de canciones de cuna. Basta escucharlo y descubrirlo (es decir, correr el velo) para notar que hay mucho más que eso. Hay noche, sobre todo noche, y todo lo que esa palabra trae. 

"Este no es un disco de canciones de cuna a pesar de que arranca con las canciones de cuna (...) En el juego de meterme con esas canciones y ver qué había, me fui quedando con las canciones que hablaban sobre cosas que van mucho más allá de la temática de dormir un niño. Me interesaban mucho más las confesiones, las angustias, los relatos sobre la soledad y sobre la ausencia, las noches que pueden no ser solo el período donde no está el sol, sino que hay noches que duran años; hay noches que son las noches de la historia de un país también", nos explicó Nadia.

Inmersos en esas canciones, uno advierte un diálogo involuntario con La Madrugada, el disco de Luciana Jury también dedicado a la noche.

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La voz de Nadia es una voz educada. Se formó en coros y eso le abrió el camino hacia la música académica, el canto lírico o la música barroca. Pero eso se complementa con las guitarreadas que se hacían en su casa. Es decir que su técnica impecable está en diálogo permanente con lo que viene de la música popular y eso en su música se nota.

Presenta el disco el próximo jueves a las 21.00 hs en Hasta Trilce / Maza 177.


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Para descargar el programa clickeá ACÁ


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Lo anónimo. "Por un lado lo anónimo tiene el valor del peso del tiempo. Leda Valladares dice que lo anónimo es lo que fue macerado por el pueblo. Y tiene el valor y el peso de lo que está mucho tiempo en remojo (...) En ese amor por lo anónimo soy una defensora también de lo que está nombrado, defiendo los autores porque todo lo que se nombra comienza a existir. Es el valor de lo anónimo pero no de lo que desaparece, sino al contrario: el valor de lo que está teñido por el peso de muchas personas, de una cultura, de una identidad y a la vez del individuo".

La identidad. "Uno está hecho de algo y hay que dejarlo aflorar, pero también uno va haciéndose. Entonces, uno tiene la posibilidad de hacer música que tal vez no estaba o que no sabía que iba a llegar a ese lugar. Por eso yo hago hincapié en que uno tiene que escuchar mucha música".

La tradición. "Yo soy una amante del folclore, de lo antiguo, pero me gusta una frase que dice: 'la tradición no es la veneración de las cenizas, sino la transmisión del fuego´. Pasar la antorcha, ¿no? (...) No podemos sostener una identidad si no miramos también para atrás".

El desafío de hacer Confesión del viento. "Me imaginé la escena del viento confesándose de noche. Al principio es un recitativo, casi lo que pasaba en el barroco cuando alguien contaba lo que iba a pasar. Es un poema que está musicalizado a favor del poema. A Bruno yo le dije: 'No toques la armonía, tocá un cluster con la métrica en que yo declamo'. Yo decidí una manera de declamación y él fue acomodando".

Develar. "Cuando tenemos la suerte de conectar con el material yo siento que develamos lo más importante que trae la canción y en ese develar la canción develamos algo propio".